“Las mujeres llevan las marcas, el lenguaje y los matices de su cultura más que los hombres. Todo lo que se desea o se desprecia siempre se deposita en el cuerpo femenino”, o eso piensa Wangechi Mutu, la venerada artista estadounidense nacida en Kenia. Wangeci es reconocida por su trabajo en performance, video, escultura, pintura y otros lenguajes artísticos.
Nació en Nairobi, Kenia, en 1972, pero pasó más de 20 años viviendo y desarrollando su carrera en Nueva York. A través de pinturas de collage, instalaciones interactivas, presentaciones en vivo y videos, el trabajo de Mutu ha utilizado el cuerpo femenino como tema para explorar cuestiones relacionadas con la autoimagen, las construcciones de género, el trauma cultural, el daño ecológico y las concepciones de belleza y poder.
En su fascinante retrato de 2005, Adult Female Sexual Organs , que presenta cinta de embalaje, pieles y un collage sobre papel de ilustración médica encontrado, el collage de Mutu examina el aspecto ambivalente de la identidad cultural fusionando fotografías de revistas con superficies pintadas y otros objetos mientras hace referencias a Historia colonial, moda y política africana predominante.
Wangechi Mutu basa Adult Female Sexual Organs en una ilustración médica victoriana, que sirve como metáfora de la antropología prejuiciosa y la supresión sexual. La cabeza es una máscara caricaturizada; está compuesto de cinta de embalaje, que alude a vendajes, migración y “soluciones rápidas” económicas. Mutu utiliza características físicas tomadas de revistas de estilo de vida para representar los objetivos internos y externos del yo: el rostro de la mujer es una distorsión racial y un modelo blanco estereotipado ocupa su cabeza. Al incorporar la estética artesanal tradicional africana a su propio tipo de narración, las pinturas de Mutu retratan la creación de mitos contemporáneos sobre el patrimonio cultural en peligro.
Mutu ganó notoriedad por primera vez por sus pinturas de collage, que creó mezclando tinta y pintura con fragmentos de imágenes extraídas de National Geographic, revistas de moda y fotografías antiguas. Utilizando estos recursos, Mutu crea avatares femeninos que son a la vez elegantes y obscenos, subvirtiendo las representaciones, el empaque y el consumo tradicionales de los cuerpos negros y femeninos.
Wangechi Mutu manipula tintas y pinturas vibrantes en las superficies de estas piezas para crear un fondo increíblemente espeso y texturizado trabajando extensamente sobre una película Mylar no absorbente. Mutu utiliza materiales orgánicos como pulpa de papel y tierra de Kenia en su diversa práctica escultórica, además de trabajar en colosales bronces.
De 1978 a 1989, asistió al muy celebrado Convento de Loreto en Msongari para completar su educación secundaria. Posteriormente asistió al United World College of the Atlantic en Gales (IB, 1991). En la década de 1990, Mutu se mudó a Nueva York (donde ha vivido y prosperado durante más de dos décadas) y se concentró en bellas artes y antropología en la New School for Social Research y la Parsons School of Design. Se graduó con un BFA en 1996 de Cooper Union para el Avance de las Artes y las Ciencias, y en 2000 recibió una maestría en escultura de la Escuela de Arte de Yale.
La artista utiliza arcilla, madera y otros materiales encontrados para crear formas femeninas abstractas majestuosas y agresivas para su serie Sentinel (2016-presente). Estas enormes esculturas, según Mutu, preservan la tierra misma y sirven como indicadores de nuestro problema ambiental al servir como recordatorios de nuestra conexión con el mundo. Las figuras humanoides de otro mundo en las esculturas de bronce de Mutu, como NewOnes, will free Us (2019) y MamaRay (2020), desafiarán los roles establecidos de las mujeres en el arte y brindarán iconografía alternativa, modos de representación y futuros posibles.
Uno de los aspectos más destacados de la extraordinaria capacidad de Mutu es su habilidad para pasar de la pintura a la escultura y viceversa, lo que permite la representación de transfiguraciones tanto personales como culturales.
Del arte, dice: «El arte te permite imbuir la verdad con una especie de magia… para que pueda infiltrarse en la psique de más personas, incluidas aquellas que no creen en las mismas cosas que tú».
Uno de los aspectos más destacados de la extraordinaria capacidad de Mutu es su habilidad para pasar de la pintura a la escultura y viceversa, lo que le permite representar transfiguraciones tanto personales como culturales.
Del arte, dice: «El arte te permite imbuir la verdad con una especie de magia… para que pueda infiltrarse en la psique de más personas, incluidas aquellas que no creen en las mismas cosas que tú».
A partir de 2023, su obra ha alcanzado un nuevo nivel de visibilidad internacional. La exposición Wangechi Mutu: Intertwined, organizada por el New Museum de Nueva York, reunió cerca de un centenar de obras que recorren toda su trayectoria, desde sus primeros collages hasta sus imponentes bronces como The Seated III y Crocodylus. Tras su paso por Nueva York, la muestra viajó al New Orleans Museum of Art, donde se expuso hasta mediados de 2024.
En junio de 2025, Mutu ha vuelto a hacer historia con Black Soil Poems, su primera exposición individual en la Galleria Borghese de Roma. Se convirtió así en la primera artista viva y mujer en exhibir en este museo, uno de los templos más clásicos del arte europeo. La intervención de Mutu, además de las salas del museo, utiliza su fachada y jardines secretos. Obras como Ndege, Suspended Playtime o Weeping Heads flotan en el espacio, estableciendo un diálogo con las esculturas clásicas sin interrumpirlas, sino amplificándolas desde otro lugar.
En el exterior, piezas como Nyoka, Musa, Heads in a Basket y Water Woman reaparecieron en nuevos contextos, proponiendo una relectura de la relación entre naturaleza, poder femenino y colonialidad. En la American Academy in Rome, su escultura Shavasana I, una figura tumbada cubierta con una estera de paja, se ha instalado junto a epígrafes funerarios romanos, reflexionando sobre la muerte, la dignidad y la historia no contada de las mujeres africanas y de la diáspora.
La exposición, que puede verse hasta el 14 de septiembre, incluye además una videoinstalación sonora (The End of Eating Everything) que, como muchas de sus obras, entrelaza referencias al extractivismo, el consumo global y el cuerpo como frontera política y ecológica. En paralelo, la Galleria Borghese organizó el programa To Exist as a Woman, con charlas, cine y visitas guiadas que amplían las reflexiones de la artista en torno a género, historia, mitología y memorias corporales.
Este año también ha sido seleccionada para participar en la prestigiosa Aichi Triennale 2025, que se celebrará en Japón del 13 de septiembre al 30 de noviembre bajo el lema A Time Between Ashes and Roses, explorando el tiempo desde una visión geológica y utópica. En ese contexto, Mutu llevará sus criaturas femeninas a otro continente, donde el pasado colonial japonés dialogará —por contraste o por complicidad— con sus propios mitos escultóricos.
Además de su obra plástica, Mutu continúa siendo una figura clave del activismo artístico desde su iniciativa Africa’s Out!, con sede en Brooklyn, donde apoya a artistas de la diáspora africana a través de residencias, encuentros y programas colaborativos.
En un presente artístico global saturado de imágenes y representaciones, el trabajo de Wangechi Mutu no ofrece respuestas sencillas. Habla desde lo visceral, lo ancestral y lo imaginado. Sus figuras son híbridas, heréticas y protectoras. No ilustran lo que ya sabemos: insisten en lo que aún no podemos ver.
Redacción Afroféminas
